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Fundamento de mi arte:

Como todo ser racional que busca explicar lo que fue, es y sera es muy justo
que fundamente tambien los frutos de lo que fui y soy para dar paso a lo que
sere y hare con mi arte.

Y ya que hablo de arte es de saber que el hombre
primero siente su arte y despues le pone reglas y barreras; en otras
palabras racionaliza lo que ha sentido y lo describe como el conjunto de
caracteristicas que conforman su "estilo personal" y eso se da siempre que
un hombre intente describir su personalidad y actitud, pero al describir la
personalidad y actitud de su arte esta dando paso a un nuevo desarrollo, al
crear reglas y principios en su obra esta liberando su capacidad intelectual
de los detalles tecnicos centrandose mas en cada obra en forma individual;
digamos que "automatiza" lo que hace y a la vez ordena las pulciones e
impetu del arte; lo cual no tiene nada de malo ya que el mismisimo hecho de
pensar y describir un objeto es ordenarlo conceptualmente; el orden solo es
nefasto cuando es lineal y repetido si hablamos en terminos creativos.

Igualmente he ordenado mis primeras pulciones artisticas y he fijado gran
parte de mi esfuerzo en la dimensionalidad de la obra. Al principio me
centre en la forma de cada objeto individualmente; el resultado fue nada mas
que una agradable invencion con la cual adornar mis dibujos amateur, pero a
la vez habia sierto desfasaje en la obra ya que cada objeto tenia una
personalidad diferente en relacion a la idea central entonces simplemente
habia desorden.

Hay que recordar que todos los cuadros poseen objetos,
formas y colores; por lo tanto el secreto de toda gran obra estara en la
distribucion de todos esos elementos y la distribucion ideal es aquella en
la que los elementos siguen el ritmo emocional que se desea expresar al
espectador. En el caso de mis primeros cuadros dificilmente era posible
encontrar un ritmo y por lo tanto todos mis cuadros expresaban las mismas
emociones dinamicas en ese desorden y nada mas.

Con el tiempo fui capaz de armonizar los "ritmos emocionales" de cada objeto
de modo que cada cosa apoye y amplie a la otra; a un biologo le diria que
estaba buscando sinergia en mi obra. El hecho es que con el tiempo lo
concegui, pero a la vez me di cuenta que inconscientemente estaba haciendo
dos cuadros a la vez: el primero lo conformaban los objetos, con sus
detalles y colores; el segundo cuadro eran las fuerzas que gobernaban a los
objetos y a la vez distorsionaban la espacialidad de la obra.

Por ejemplo si sujetan una lupa y la alejan unos 40 centimetros de su rostro
apuntando a objetos no muy cercanos de la habitacion veran que las imagenes
en su interior se distorcionan como si fuera una proyeccion sobre una
esfera. En esa imagen tendriamos a los objetos de la habitacion y por otro
lado a una distorsion de la luz que nos hace ver una espacialidad alterada.
Y en mi opinion una imagen con una espacialidad alterada es mucho mas
realista que otra sujeta a una espacialidad estatica o ideal como la
geometria de euclides; ya que las ultimas teorias fisicas niegan ese espacio
perfecto u homogeneo y nos hablan de una espacialidad arrugada y deforme!
Reconociendo a la espacialidad como otra variable mas del cuadro me tome la
libertad de encontrar tantas variaciones como me sean posibles y lo mejor es
que cada una podia evocar una emocion diferente; asi que sumando la
emocionalidad de los elementos mas la propia del medio logre acabar con
siertos problemas de expresividad en mi obra.

Otra ventaja era el poca importancia que se le ha dado a la distorsion de
los objetos pues me refiero que el "mundo" de la mayoria de los maestros del
arte vanguardista no era deformado sino que ya era deforme, citare por
ejemplo a Botero quien suele centrarse en el volumen de los objetos, pero
como todo su mundo se tiene la misma voluptuosidad es imposible decir que ha
alterado al objeto, simplemente esas gentes y objetos ya fueron creadas asi!
el ya los penso de esa manera.

Mientras que una autentica distorsion conciste en alterar y corromper
objetos naturales hasta llegar a otra cosa; ya que para crear equilibrio no
es necesario llenar la obra de objetos equivalentes sino solo igualar las
fuerzas contrarias que rigen la composicion. En mi caso he desarrollado dos
formas de alterar la espacialidad del cuadro: "primero" de una forma
bidimensional en la que reconozco que la pintura es simplemente una
superficie lisa entonces distorsiono las formas del cuadro acaparando nuevas
superficices y a la vez creando nuevas superficies vacias a ser ocupadas por
la distorsion de los demas objetos; siempre dandole a cada cosa, cada punto
su lugar correspondiente.

En la segunda distorsion la "tridimensional" hago lo mismo pero imaginando
que el cuadro en si es la proyeccion bidimensional de una imagen
tridimensional (al igual que todo estilo realista) y de esa manera manipulo
los volumenes de la misma manera con que lo hice anteriormente con las
superficies; el problema es que al representar todo ese desarrollo
tridimensional en una superficie bidimensional cada punto perdio su lugar
por observarlo tan solo en dos dimensiones, para encontrar ese clasico
equilibrio habria que hacer un esfurzo mental extra y pensar en el cuadro
como un objeto de tres dimensiones; un ejemplo de esa alteracion en especial
es el cuadro que esta en la galeria: "la locura"

Tambien queria decir que el espacialismo en teoria podria ser usado tanto en
el arte abstracto como en el figurativo, pero si yo elegi usarlo en el
figurativismo es porque al comparar una imagen concreta con aquella
distorsionada es mucho mas facil darse cuenta de esa espacialidad alterada,
mientras que si distorsionamos una obra abstracta entonces con que diablos
podemos compararla? simplemente no hay un concepto concreto con que
relacionar esa posible maraña de manchas y lineas curvadas. Y hasta se
podria ser tan descarado para llamar a aquello como nuevo? tiene sentido
pensar en algo "nuevo" y a la vez en puramente abstracto?

Sin embargo no quiero decir que la distorsion de los objetos no se halla
puesto en practica nunca; ya que Picasso y Francis Bacon lo usaron
frecuentemente; pero no se tomaron la molestia de usarlo hasta el limite, se
limitaron a distorcionar figuras humanas y nada mas, nisiquiera creo que
halla sido necesario que lo hagan ya que su pintura era integral en relacion
a la epoca. Pero actualmente con una plastica tan saturada es muy
inteligente llevar cualquier elemento hasta el limite y habra que
concentrarse en el figurativismo que no es ningun pecado, sino mas bien la
unica opcion ante la frialdad del arte abtracto; el buen arte es aquel que
tenga la mayor cantidad de elementos humanos; no podemos inventar emociones
pues ya existen todas; entonces solo podemos buscar su re-expresion y usando
tan solo pigmento y una superficie limpia... diganme si acaso los pintores
no son versatiles?

Sebastián A. Grillo